Spezial

Von Joachim Heinz und Simone Leuschner

Auf der To-do-Liste an kalten, dunklen Wintertagen: ein Heißgetränk, ein gutes Buch oder ein ebensolcher Film. Die Feuerzangenbowle beispielsweise lässt sich trinken und schauen. Sehr praktisch. Darum soll es aber in den nachfolgenden Zeilen nur am Rande gehen. Das VAA Magazin ist in die Bewegtbild-Archive gestiegen auf der Suche nach Filmen, in denen die Naturwissenschaften eine tragende Rolle spielen. Obacht: Kann Spuren von Chemie enthalten!

Eine der ersten Filmvorführungen der Welt fand vor einem überschaubaren Publikum statt. Rund 30 Zuschauer kamen am 28. Dezember 1895 im „Salon Indien“ des Pariser Grand Café zusammen, um sich elf kurze Bildkompositionen der Brüder Auguste und Louis Lumière anzuschauen. Dazu zählte auch die Einfahrt eines Zuges in den Bahnhof des Mittelmeerstädtchens La Ciotat. Der Legende nach sorgte die Aufnahme für Furore, weil die Dampflok auf der Leinwand direkt auf die Gäste im Salon zuzufahren schien.

Ein weiterer Höhepunkt im Programm der Brüder Lumière: der rückwärts abgespielte Abriss einer Mauer, die auf diese Weise vor den Augen des staunenden Publikums ihre Wiederauferstehung feierte. Das alles ist jetzt 130 Jahre her und seitdem hat sich einiges geändert. Die Spezialeffekte von einst entlocken dem modernen Kinofan bestenfalls ein amüsiertes Lächeln. Nach Möglichkeit greift er zur 3-D-Brille oder lässt sich – Action muss sein – in beweglichen Sesseln durchrütteln. Und das Kürzel VR für „Virtual Reality“ verspricht dem Nutzer auch ohne Kino das Eintauchen in künstliche Filmwelten.

Das alles gäbe es nicht ohne den Beitrag der Naturwissenschaften. Schon der von den Gebrüdern Lumière entwickelte Kinematograph machte sich Erkenntnisse der Physik zunutze. Jules Carpentier, neben Charles Moisson einer der beiden maßgeblichen Ingenieure bei Lumière, konstruierte Galvanometer und andere Messgeräte, bevor er sich der Optik, der Fotografie und dem Film zuwandte. Hinter den Kulissen also spielten die Wissenschaften eine tragende Rolle: Wie aber sah es damit auf der Leinwand aus? Welche Verbindungen gingen Chemie, Physik oder Biologie mit einem auf Unterhaltung angelegten Medium ein?

Keine Raketenwissenschaft

Rückblende: Wir befinden uns im Jahr 1902. In Frankreich kündigt sich eine Revolution an. Regisseur Georges Méliès bringt den ersten Science-Fiction-Film in die Kinos. Mit 14 Minuten Länge hat „Die Reise zum Mond“ ein weiteres Alleinstellungsmerkmal, wie es in dem von Steven Jay Schneider herausgegebenem Kompendium „1.001 Filme, die Sie sehen sollten, bevor das Leben vorbei ist“ heißt. Standard waren bis dato Kurzfilme von zwei Minuten.

Der Inhalt: Ein Professor namens Barbenfouillis wirbt auf einem Kongress der Astronomischen Gesellschaft unter seinen Kollegen für einen Flug zum Mond. Die Idee findet Anklang und wenig später werden Barbenfouillis und seine Mitreisenden in einer futuristisch aussehenden Kapsel ins All geschossen. Das Raumschiff landet im rechten Auge des Mondgesichts.

Zum weiteren Fortgang der Handlung ist in Schneiders Buch zu lesen: „Auf der Mondoberfläche stoßen die Forscher bald auf feindselige Bewohner, die Seleniten, und werden von ihnen gefangengenommen. Nachdem sie entdeckt haben, dass Feinde bei Berührung durch einen Regenschirm in einer Rauchwolke verschwinden, gelingt es den Forschern zu entkommen. Sie kehren zur Erde zurück, fallen ins Meer und erkunden die Tiefen des Ozeans, bis sie am Ende gerettet und in Paris als Helden gefeiert werden.“

Wagemutige Wissenschaftler, Reisen (zurück) in die Zukunft, die unendlichen Weiten des Alls: Das werden nach der Pioniertat von Méliès Grundzutaten vieler späterer Blockbuster sein. Die dabei realisierten filmischen Experimente wiederum setzten Maßstäbe für die gesamte Branche. Dafür steht Stanley Kubriks Epos „2001: Odyssee im Weltraum“ aus dem Jahr 1968. Kubricks Credo: „Ich habe versucht, ein visuelles Erlebnis zu schaffen.“

Das ist ihm nicht zuletzt durch eine Reihe von technischen Neuerungen gelungen, wie Thomas Binotto in seinen „Filmgeschichten für Kinofans“ schreibt. Dazu habe die sogenannte Frontprojektion gehört. Bis dahin sei die „Rückprojektion“ üblich gewesen, bei der ein Hintergrundbild von hinten auf die Leinwand projiziert worden sei, vor der dann die Schauspieler agierten, so Binotto. „Bei diesem Verfahren sieht man meistens sogar als Laie, dass zwei Bildebenen ‚zusammengekleistert‘ wurden.“

Anders bei der Frontprojektion. Hier wurde das Hintergrundbild von vorn auf die Leinwand geworfen, „und zwar durch einen vor der Kamera angebrachten halbdurchlässigen Spiegel“, erklärt der Autor. „Dadurch verschmolzen die beiden Bildebenen viel perfekter zu einer Einheit.“ Grundlage für Kubricks kurz vor der ersten Mondlandung entstandene „Weltraumoper“ war übrigens die Kurzgeschichte „The Sentinel“ von Arthur C. Clarke, seinerseits ein studierter Physiker und Mathematiker.

Neues aus den Laboren

Aus unbekannten Höhen in die Untiefen verborgener Laborwelten. Die verhalfen im Lauf der Filmgeschichte unheimlichen Wesen, später dann ebenso unheimlichen Viren zum Ausbruch. Von Frankenstein bis zum Zombie-Horrorfilm „The Outbreak“ reicht das Spektrum – als Urahn gilt manchen Experten ein lange verschollenes Werk: die sechsteilige Stummfilmreihe „Homunculus“. Darin erzählt Regisseur Otto Rippert die Geschichte eines künstlich erschaffenen Menschen, der Hass in sich trägt, aber nach Liebe sucht.

Erst 2014 konnte Filmhistoriker Stefan Drößler eine 196 Minuten lange rekonstruierte Version der Reihe auf den Bonner Stummfilmtagen präsentieren. Als die Episoden 1916 erstmalig in die Kinos kamen, zeigten sich die Kritiker begeistert: „Dieses Werk steht am Tore einer neuen Zeit der Lichtspielkunst“, urteilte beispielsweise die B.Z. am Mittag. Regisseur Rippert sollte drei Jahre später noch einmal für einen Kassenschlager verantwortlich zeichnen. Für „Die Pest in Florenz“ lieferte kein Geringerer als Filmgenie Fritz Lang das Drehbuch. Hier ging es allerdings weniger um das todbringende Bakterium Yersinia pestis als vielmehr um eine mit viel Aufwand inszenierte Zeitreise in das Italien der Renaissance.

Da lacht die Wissenschaft

Spannung und Dramatik – das fesselte die Zuschauer immer schon. Aber dazu gesellten sich von Beginn an Heiteres und Unsinn aller Art. Bereits die Gebrüder Lumière brachten das Publikum mit einer kleinen Slapstickeinlage über einen von einem jungen Strolch gepiesackten Gärtner zum Lachen. Bald schon etablierte sich die Figur des zerstreuten oder chaotischen Wissenschaftlers auf der Leinwand.

Und damit Vorhang auf für einen Klassiker im deutschsprachigen Raum. In „Die Feuerzangenbowle“ träumt der von Heinz Rühmann verkörperte Johannes Pfeiffer – mit drei „f“ – den wegen Privatunterrichts verpassten Schulbesuch nachzuholen. Seine Freunde überreden ihn dazu, sich als Oberprimaner in einem Gymnasium anzumelden. Dort stößt er auf die bezaubernde Mitschülerin Eva – und Lehrer wie den leicht affektiert redenden Chemieprofessor Crey.

Zu den vielen bis heute als Kult gefeierten Szenen der Komödie gehört die Episode, in der Crey seinen Schützlingen die alkoholische Gärung nahebringen will. Dazu dürfen die Schüler an dem vom Professor selbst hergestellten Heidelbeerwein nippen – „Jeder nur einen wönzigen Schluck, sonst steigt er in den Kopf!“ – woraufhin die gesamte Klasse auf Betreiben Pfeiffers so tut, als sei sie nach der Verkostung komplett betrunken. Die Stunde läuft erwartungsgemäß aus dem Ruder.

Munter geht es auch in „Der Mann mit dem weißen Anzug“ zu, einer britischen Komödie aus dem Jahr 1951. Darin mimt der großartige Alec Guinness einen Jungchemiker, der eine reißfeste und abnutzungsresistente Kunstfaser entwickelt, die jedoch niemand haben will – weil die Arbeiter um ihre Jobs und die Textilindustrie um ihre Gewinne fürchtet, sollten die Umsätze beim Stoffverkauf sinken. 

Ebenfalls mit einem Chemiker in der Hauptrolle besetzt ist die US-Screwball-Comedy „Monkey Business“ von 1954. In dem Film experimentiert ein gewisser Barnabas Fulton, dargestellt von Superstar Cary Grant, mit chemischen Substanzen, um eine Verjüngungstinktur zusammenzumischen. Ebenfalls mit von der Partie: Marylin Monroe.

Jenseits des Eisernen Vorhangs

Mehr Subtext als Hollywood wollten manche Werke aus dem kommunistischen Osten liefern. So wie die DEFA-Produktion „Chemie und Liebe“. Hier geht es um einen Chemiker, dem es gelingt, aus Gras oder Moos Butter herzustellen. Als der Film 1948 in die Kinos kam, hatte diese Utopie durchaus einen sehr realen Sitz im Leben: Die Nahrungsengpässe nach dem Zweiten Weltkrieg bestimmten immer noch das Leben vieler Menschen.

Über die „gesellschaftskritische Komödie“ schreibt Barbara Mayr auf dem Portal filmreporter.de: Sie zeige „satirisch die Schwächen und Fehler des kapitalistischen Systems, seine Auswüchse und Entartungserscheinungen“ und prangere den Kapitalismus der westlichen Länder an.

Als ein Meilenstein in der DDR-Filmgeschichte gilt vielen Kritikern allerdings eine andere Produktion, in der ebenfalls ein Chemiker an entscheidender Stelle auftritt. Eberhard Esche gibt in „Der geteilte Himmel“ den am kommunistischen System zweifelnden Manfred Herrfurth, Renate Blume seine Freundin Rita Seidel, die sich schließlich dafür entscheidet, im Osten Deutschlands zu bleiben, nachdem sich Manfred nach West-Berlin abgesetzt hat. Der Film von 1964 basiert auf der gleichnamigen Erzählung von Christa Wolf, die im Jahr zuvor veröffentlicht wurde. Unlängst erst stellte der deutsch-französische TV-Sender Arte die Produktion noch einmal in seine Mediathek.

Nahe an der Realität

Manchmal, auch das lehrt der Blick in die Geschichte, kommt die Realität dem Film ziemlich nahe – oder umgekehrt. „Das China-Syndrom“ mit Jane Fonda, Jack Lemmon und Michael Douglas ist so ein Fall. Kurz nachdem der Streifen über einen Störfall in einem US-Kernkraftwerk 1979 in den Kinos gestartet war, kam es im Atomkraftwerk Three Mile Island bei Harrisburg tatsächlich zu einer partiellen Kernschmelze.

Auf einer wahren Begebenheit beruht das Drama „Vergiftete Wahrheit“ von 2019. Der Film setzt einen Umweltskandal samt jahrelanger Auseinandersetzung zwischen dem Anwalt Robert Bilott und dem Chemiekonzern DuPont in Szene. Das von der Bundeszentrale für politische Bildung betriebene Portal kinofenster.de bot im Anschluss sogar Unterrichtsmaterialien an und hielt fest: „Im Chemieunterricht können die Eigenschaften der Perfluoroctansäure besprochen werden, die zu den ‚Forever Chemicals‘ zählt und als höchst krebserregend gilt. Was zeichnet die Verbindung aus, welchen praktischen Nutzen hat das Material und warum ist es für Tiere und Menschen so gefährlich?“

In einer ganz eigenen Liga spielt das dreistündige Biopic „Oppenheimer“ über den „Vater der Atombombe“, den Physiker Julius Robert Oppenheimer. Bei den Oscar-Verleihungen 2024 räumte der Film von Regisseur Christopher Nolan bei dreizehn Nominierungen sieben der begehrten Auszeichnungen ab. „Wenn die Atombombe gezündet wird und die Leinwand für einige Sekunden von Blitzen, Flammen und einer gigantischen Explosion beherrscht wird, kehrt im Saal eine Stille ein“, schrieb Simone Lo Bartolo in der Zeitschrift GQ. Offenbar kann die Verbindung von Kino und Wissenschaft auch 130 Jahre nach der ersten Vorstellung immer noch magische Momente erzeugen.

Im Kino gehören Wissenschaftler seit den Anfängen zum festen Figurenarsenal, sagt Filmwissenschaftlerin Prof. Lisa Gotto. Im Interview mit dem VAA Magazins erklärt die Professorin für Theorie des Films am Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaft der Universität Wien, welche Filmschätze sie für besonders sehenswert hält. Und warum Laborwesen wie Frankenstein die Menschen immer wieder aufs Neue faszinieren.

VAA Magazin: Blicken wir kurz in die Filmgeschichte: Ab wann begegnen uns Wissenschaftler beziehungsweise Naturwissenschaftler und welche Rollen übernehmen sie bevorzugt?

Gotto: Wissenschaftler gehören seit den frühesten Tagen des Kinos zum festen Figurenarsenal. Bereits im frühen 20. Jahrhundert, etwa in Georges Méliès’ Le Voyage dans la Lune (1902), treten sie als Erfinder, Träumer und Grenzgänger auf. Im weiteren Verlauf der Filmgeschichte differenzieren sie sich in verschiedene Ideologeme aus, die zwischen genialem Visionär, gefährlichem Überheber und moralisch zweifelndem Humanisten oszillieren. Ob als Schöpfer von Leben, Zerstörer von Welten oder Opfer des eigenen Wissens: In allen Epochen bleibt die Figur des Wissenschaftlers Projektionsfläche kultureller Aushandlungen von Forschung, Macht und Ethik. Das Kino nutzt sie, um das Verhältnis des Menschen zu seiner eigenen Schöpfung zu inszenieren und zugleich die Bedingungen des Mediums als Bildmaschine zu reflektieren.

Welche weniger bekannten Filme sind zu empfehlen und warum?

Drei besonders interessante Beispiele sind „The Absent-Minded Professor“ (Robert Stevenson, 1961), „The Andromeda Strain“ (Robert Wise, 1971) und „Altered States“ (Ken Russell, 1980). In „The Absent-Minded Professor“ wird Wissenschaft humorvoll als kreatives Chaos inszeniert: Der Forscher erscheint als sympathischer Träumer, dessen Experimente buchstäblich abheben. „The Andromeda Strain“ markiert dagegen einen Wendepunkt: Forschung wird hier als kollektiver, hochtechnologischer Prozess verhandelt, der von Rationalität, Kontrolle und Isolation geprägt ist. „Altered States“ schließlich bietet eine metaphysische Variation des Laborfilms, in der wissenschaftliche Experimente zum Medium mystischer Selbsterfahrung werden. Diese Filme sind nicht nur Darstellungen von Wissenschaft, sondern verstehen auch das Kino selbst als eine Form des Experimentierens: als Ort, an dem Erkenntnis, Wahrnehmung und Imagination ineinandergreifen.

Aus welchen Gründen begeisterten sich Filmemacherinnen und Filmemacher schon sehr früh für Laborwesen à la Frankenstein oder psychologische Phänomene wie Dr. Jekyll und Mr. Hyde?

Diese Stoffe bündeln zentrale Fragen der Moderne: Was ist der Mensch und wo liegen die Grenzen seiner Gestaltungskraft? Das Labor wird zum Sinnbild des Wunsches, das Leben selbst zu verstehen und zu beherrschen. Figuren wie Frankenstein oder Jekyll verkörpern zugleich den Fortschrittsglauben und die Angst vor dessen Konsequenzen. Für das Kino als technische Kunst ist diese Spannung besonders reizvoll: Es spiegelt in der Figur des Wissenschaftlers auch die eigene Faszination für das Erschaffen künstlicher Welten.

Zugleich eröffnen diese Geschichten eine psychologische Dimension: Sie verhandeln das Verhältnis von Bewusstsein, Körper und Kontrolle – und machen die Angst vor dem Verlust des Selbst sichtbar, die mit wissenschaftlicher Hybris wie mit filmischer Illusion einhergeht. So steht das Labor immer auch für das Kino selbst: Beide erzeugen Wirklichkeit durch technische Apparaturen und kontrollierte Bedingungen. Die anhaltende Faszination rührt daher, dass Film und Wissenschaft im Kern dieselbe epistemologische Geste teilen – den Versuch, das Unsichtbare sichtbar zu machen.